Rêvons le monde autrement à travers la musique. REVUE D’ESSAIS RADIOPHONIQUES • MUSIQUE • LITTÉRATURE • PHILOSOPHIE FOLIO 037 ESSAI RADIOPHONIQUE Perfect Day Lou Reed « L'identité n'est-elle qu'une fiction de stabilité ? » ▶ Lancer la diffusion de l'essai radiophonique 📖 Lire le Folio Bonjour, bienvenue dans Radio d'auteur. Ici, nous n'écoutons pas seulement des chansons, nous cherchons à les entendre, autrement. Aujourd'hui, nous explorons une question qui nous travaille tous : notre identité est-elle une pierre solide, ou une eau en mouvement? Nous avons cette habitude, presque réflexe, de vouloir fixer notre identité. Nous lui donnons un nom, un parcours, une cohérence. Nous voulons être quelqu'un. Pourtant, au fond de nous, quelque chose résiste. Quelque chose demande à c...
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Carnet 012 - Jimi Hendrix
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LA MAISON
Carnets de la Maison Carnet n°012
Jimi Hendrix
L'alchimiste de l'électricité
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« Quand je meurs, je veux que les gens jouent ma musique,
qu'ils se déchaînent et fassent tout ce qu'ils veulent faire. »
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Jimi Hendrix : L'alchimiste de l'électricité
Carnets d’auteurs — n°012
Jimi Hendrix n'a pas seulement joué de la guitare ; il l'a réinventée. En transformant les amplificateurs, les pédales d'effet et les feedbacks en un instrument d'expression totale, il a ouvert les portes d'un cosmos sonore où le blues, le rock et le psychédélisme se fondent dans une transe électrique.
Ce Carnet explore le parcours fulgurant d'un artiste qui a vécu sa musique comme une expérience physique et spirituelle, redéfinissant à jamais les limites de ce qu'une guitare peut dire.
Pourquoi j'aime Jimi Hendrix
Il est des artistes qui ne jouent pas seulement de la musique, mais qui tordent le temps, l'espace et l'électricité pour réinventer les frontières du son. Si je tiens tant à lui consacrer ces pages, c'est parce qu'il incarne l'explosion absolue de la liberté créatrice, un magicien de la guitare qui a transformé son instrument en un prolongement incandescant de son âme.
Jimi Hendrix, c'est d'abord un talent révolutionnaire, une alliance unique entre la rigueur du blues le plus profond et le psychédélisme le plus cosmique. C'est le sculpteur de larsen, l'alchimiste des ondes qui a fait chanter, pleurer et hurler sa Stratocaster avec une aisance surnaturelle, pulvérisant les conventions de son époque. Mais c'est aussi un poète des grands espaces intérieurs, capable de passer de la furie électrique la plus totale à des ballades d'une tendresse et d'une pureté déchirantes.
Je l'aime pour sa générosité incandescente, pour son refus absolu des barrières et pour cette urgence poétique qui brûlait dans le moindre de ses accords. Ouvrir ce carnet, c'est accepter de se laisser traverser par l'orage et la lumière, guidé par le plus grand explorateur de l'histoire du rock.
Mon expérience avec Jimi Hendrix
Il est des guitares incandescentes et des larsens cosmiques qui déchirent le silence de la nuit pour s'emparer de notre âme avec une intensité tellurique, capables de nous transporter instantanément au cœur du psychédélisme le plus pur et de la magie électrique absolue. Si ma découverte de ses solos flamboyants au détour d'un vieux vinyle rayé remonte à mes souvenirs précieux, la fascination pour son génie visionnaire et sa virtuosité céleste n'a jamais failli.
Cent fois j'ai réécouté ses improvisations d'anthologie et ses hymnes fulgurants confortablement installé, savourant cette liberté harmonique totale et cette poésie du vacarme que seul le sorcier de Seattle savait orchestrer. Chaque fois, son univers m'a enveloppé d'un souffle d'audace inouïe et d'un ravissement sonore vertigineux, me transportant instantanément au cœur de ses plus grands moments de bravoure instrumentale.
« La musique ne ment pas. Si quelque chose doit changer dans ce monde, alors cela ne peut arriver que par la musique. »
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Chapitre n°1 : La quête du son originel.
De Seattle aux clubs de Chitlin' Circuit, Hendrix a appris le blues sur le tas, accompagnant les plus grands. Mais il cherchait quelque chose de plus. Pour lui, la guitare n'était pas un instrument en bois, mais un prolongement de son corps, un outil capable de traduire les couleurs qu'il voyait lorsqu'il entendait une note. Cette quête ne relevait pas de la simple maîtrise technique, mais d'une véritable exploration métaphysique. Dans l'exiguïté des clubs du Sud, il ne jouait pas seulement pour le public, il jouait pour repousser les murs de la réalité. Il percevait chaque accord comme une architecture vibrante ; un mi mineur ne sonnait pas pour lui comme une simple note, mais comme une nuance de violet électrique, une texture liquide qu'il fallait réussir à capturer dans l'air. C'est cette synesthésie, cette capacité rare à "voir" le son, qui l'a poussé à domestiquer le larsen. Là où d'autres musiciens voyaient dans le bruit parasite un défaut technique à éliminer, Jimi y voyait une porte ouverte sur l'infini, un souffle pur et sauvage qu'il fallait apprivoiser.
Il refusait de se laisser enfermer dans les sentiers battus du blues traditionnel, aussi sacrés fussent-ils. Son ambition était de fusionner la profondeur des racines afro-américaines avec les aspirations cosmiques qui commençaient à saturer l'atmosphère de la fin des années 60. Il cherchait ce "son originel", celui qui précède la parole, une fréquence brute qui unirait la terre et le ciel. En studio, il passait des nuits blanches à expérimenter, faisant passer sa guitare à travers des montagnes d'effets, torturant les amplificateurs pour arracher à l'électricité des sons que personne n'avait jamais entendus auparavant.
Chaque session était pour lui une cérémonie. Il ne cherchait pas la perfection formelle des enregistrements de l'époque, mais une forme de vérité émotionnelle qui semblait presque dangereuse à invoquer. Ce qu'il voulait, c'était que l'auditeur ne se contente pas d'écouter sa musique, mais qu'il la ressente physiquement, comme une onde de choc ou une caresse
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Repère n°2
« La connaissance parle, mais la sagesse écoute. »
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Chapitre n°2 : L'explosion électrique.
Lorsqu'il débarque à Londres, il stupéfie tout le monde. Son jeu est une révolution : il fusionne la puissance du rock avec une inventivité mélodique empruntée au jazz et au rhythm and blues. Il ne se contente pas de jouer les notes, il crée un environnement sonore, utilisant l'électronique pour peindre des paysages psychédéliques qui semblent sortir d'un autre monde.
À son arrivée, le paysage musical britannique, bien qu'en pleine effervescence, n'était pas préparé à une telle décharge. Hendrix ne joue pas de la guitare ; il orchestre un cataclysme maîtrisé. Devant des musiciens ébahis comme Eric Clapton ou Pete Townshend, il déploie une gestuelle qui n'a rien de l'exercice de style convenu : il joue avec les dents, avec le dos, il embrase son instrument, non par provocation gratuite, mais par nécessité de pousser l'expression au-delà du physique. Pour lui, la scène est un champ de bataille où les barrières entre le musicien, l'instrument et l'auditeur doivent s'effondrer.
L'électronique devient sa palette de peintre. Avec ses pédales Wah-Wah, son Octavia et sa maîtrise absolue du feedback, il sculpte le son en trois dimensions. Il fait pleurer sa guitare comme un saxophone de jazz, rugir comme une tornade et chanter comme une voix humaine. Il réussit ce tour de force quasi impossible : transformer le chaos technologique — ce qui était considéré comme du bruit — en une grammaire mélodique sophistiquée.
Ce n'était plus seulement du rock ; c'était une expérience immersive. Il ouvrait des brèches dans l'espace sonore, invitant son public à voyager dans des strates psychédéliques où le temps semblait se suspendre. En brisant ainsi les codes de la performance classique, il a offert au rock ses lettres de noblesse en tant qu'art moderne. Il n'a pas seulement réinventé la guitare, il a réinventé notre manière d'écouter, prouvant que, dans les mains d'un véritable visionnaire, l'électricité pouvait devenir une force poétique aussi puissante que le souffle ou le cœur battant.
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Repère n°3
« Je n'ai jamais eu l'intention d'être un "guitar hero". Je voulais juste être un musicien. »
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Chapitre n°3 : Une étoile filante dans le ciel du rock.
Sa carrière fut aussi courte qu'intense. Hendrix a vécu dans une quête incessante de perfection, passant ses nuits en studio à expérimenter de nouveaux sons. Il nous laisse l'image d'un artiste totalement dévoué à son art, dont l'influence dépasse largement le cadre de la guitare électrique pour toucher à l'essence même de la création libre.
En l'espace de quatre années, il a accompli ce que d'autres mettraient des décennies à esquisser : il a déplacé le centre de gravité de la musique populaire. Cette intensité, cette urgence de brûler la vie par les deux bouts, n'était pas le fruit d'une insouciance, mais d'une conscience aiguë du temps. Il semblait savoir que son passage sur terre serait bref, et cette urgence imprégnait chaque note, chaque solo, chaque enregistrement. Pour Jimi, le studio n'était pas un lieu de travail, mais un sanctuaire où il tentait de fixer sur bande les visions musicales qui l'habitaient, un processus où le sommeil était un luxe inutile face à l'injonction de la création.
Son héritage ne se mesure pas seulement en albums vendus ou en icônes gravées dans le marbre. Il se niche dans cette audace qui consiste à dire que tout est possible si l'on ose franchir la frontière du convenu. Il a libéré des générations de musiciens du poids du conformisme technique, leur apprenant que l'émotion pure et l'expérimentation audacieuse valent mieux que la maîtrise académique.
S'il s'est éteint prématurément, son œuvre, elle, est devenue atemporelle. Hendrix reste cette « étoile filante » dont la lumière continue de traverser les décennies, intacte, rappelant à quiconque s'approche de sa musique que l'art est une conquête permanente sur soi-même. Il demeure l'incarnation de la liberté absolue, ce musicien qui a su transformer l'électricité en une prière moderne, laissant derrière lui un sillage flamboyant qui continue, encore aujourd'hui, d'éclairer la voie à ceux qui cherchent à traduire l'invisible par le son.
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Repère n°4
« Il n'y a pas de fin, il n'y a pas de commencement. Il n'y a que la passion infinie de la vie. »
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Chapitre n°4 : La discographie de Jimi Hendrix.
Voici la liste des albums studio de Lenny Kravitz, accompagnés d'une courte phrase descriptive et d'un aperçu visuel de leurs pochettes emblématiques :
Are You Experienced (1967)
Description : Un premier album révolutionnaire qui redéfinit instantanément les frontières du rock psychédélique et de la guitare électrique, porté par des hymnes fulgurants.
Axis: Bold as Love (1967)
Description : Un disque plus mélodique, intime et expérimental, où Hendrix explore des textures sonores chatoyantes et des arrangements de studio sophistiqués.
Electric Ladyland (1968)
Description : Le chef-d'œuvre absolu et le testament studio du guitariste : un double album monumental et éclectique mêlant blues incandescent, funk, soul et rock cosmique.
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Voici une sélection d'albums posthumes en studio parmi les plus représentatifs, qui témoignent de l'immensité et de la richesse des archives laissées par Jimi Hendrix :
Cry Of Love (1971)
Description : Le premier album posthume majeur, assemblé par ses proches collaborateurs (Mitch Mitchell et Eddie Kramer), qui dévoile les orientations plus mélodiques, blues et roots vers lesquelles Hendrix se dirigeait peu avant sa disparition.
Rainbow Bridge(1971)
Description : Un disque hybride mêlant des pépites enregistrées en studio (dont la version studio magistrale de Machine Gun ou Star Spangled Banner en live/studio) et des extraits de sa performance pour le film éponyme.
First Rays of the New Rising Sun (1997)
Description : Considéré comme le véritable testament studio de l'artiste, cet album rétablit la vision et l'ordre des chansons que Hendrix souhaitait initialement donner à son quatrième album, juste avant sa mort.
Valleys of Neptune (2010)
Description : Une fascinante collection d'enregistrements réalisés en 1969 en studio, capturant la transition entre la fin du Jimi Hendrix Experience et ses nouvelles expérimentations avec de nouveaux musiciens.
Both Sides of the Sky (2018)
Description : Le troisième volet d'une trilogie d'archives majeure, qui met en lumière sa passion pour le blues et le soul-rock à travers des collaborations inédites avec de prestigieux invités (comme Stephen Stills ou Johnny Winter).
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Chapitre n°5 : L'anthologie West Coast Seattle Boy
Publié dans sa somptueuse édition en coffret vinyle 8 LP, West Coast Seattle Boy: The Jimi Hendrix Experience se révèle dans toute sa splendeur analogique. Cette version collector d'exception sublime la chaleur des bandes originales et offre un écrin physique idéal à cette anthologie monumentale, restituant fidèlement la genèse, l'évolution et le génie absolu de Jimi Hendrix.
Voici la présentation détaillée de ce coffret XXL, rythmée par l'ordre exact des faces de cette édition vinyle et assortie de courtes phrases descriptives :
Disque 1 — Face A : Les Premières Armes de Sideman
Testify (The Isley Brothers) — Un premier jet rythmé et ardent où la guitare du jeune prodige pulse derrière les voix soul des Isley Brothers.
Mercy, Mercy (Don Covay) — Un groove soul-R&B irrésistible où les interventions de la guitare soulignent la tension dramatique.
Can't Stay Away (Don Covay) — Une ballade rhythm and blues pleine de ferveur, portée par des arrangements de cordes et une rythmique soignée.
My Diary (Rosa Lee Brooks) — Un titre pop-soul insouciant enregistré à Los Angeles, joliment orné par les notes cristallines de Hendrix.
Utee (Rosa Lee Brooks) — Une piste instrumentale et vocale enlevée, marquée par une énergie bluesy précoce.
Disque 1 — Face B : Le Tremplin New-Yorkais et les Années Pré-Fame
Move Over And Let Me Dance (The Isley Brothers) — Un morceau survolté et dansant taillé pour enflammer les pistes de danse.
Have You Ever Been Disappointed (The Isley Brothers) — Une longue complainte blues habitée, laissant poindre les premiers solos introspectifs du musicien.
(My Girl) She's A Fox (The Icemen) — Un brûlot funk-soul urgent et percutant, rythmé par des riffs incisifs.
Help Me (Get The Feeling) Part One (Ray Sharpe) — Un instrumental brut et trépidant où la guitare commence à rugir avec audace.
Sweet Thang (Billy Lamont) — Un rhythm and blues sautillant co-écrit par Lonnie Youngblood, débordant d'énergie juvénile.
Disque 2 — Face C : Les Connexions R&B et les Explorations
I'm So Glad (Frank Howard & The Commanders) — Un titre rhythm and blues enlevé co-signé par Billy Cox, futur acolyte de la Band of Gypsys.
That Little Old Groove Maker (Jimmy Norman) — Une composition soul syncopée et festive aux accents cuivrés réjouissants.
I Don't Know What You Got But It's Got Me (Little Richard) — Une collaboration flamboyante et rare avec le roi du rock'n'roll, où la guitare dialogue intensément avec la voix.
Dancing All Around The World (Little Richard) — Un rock and roll jubilatoire et dansant, propulsé par l'énergie communicative du "Little Richard".
Instant Groove (King Curtis) — Un instrumental funk-jazz instrumental incisif mené par le célèbre saxophoniste.
Disque 2 — Face D : L'Éclosion de l'Experience (Le Phénomène Psychédélique)
Fire — L'hymne rock explosif et survolté de l'album fondateur, débordant d'une furie scénique indomptable.
Are You Experienced? — Le chef-d'œuvre psychédélique et inversé qui redéfinit les frontières de l'espace sonore.
May This Be Love — Une bulle de douceur aérienne et mélodique, baignée dans un optimisme céleste.
Can You See Me — Un morceau pop-rock frénétique et halluciné aux guitares en perpétuel mouvement.
Cat Talking To Me — Une prise studio enjouée et décalée aux accents blues-rock vifs.
Disque 3 — Face E : Intimité et Métamorphoses Sonores
The Wind Cries Mary (Live) — Une version live poignante et épurée de la plus belle ballade crépusculaire du maître.
Love Or Confusion — Un tourbillon psychédélique et étourdissant qui interroge les frontières de la perception.
Little One — Une longue jam session hypnotique et ténébreuse enregistrée lors des sessions de l'album Axis.
Mr. Bad Luck — Un blues-rock incisif et rythmé, écarté à tort des pistes finales de l'époque.
Castles Made Of Sand — Un conte poétique et mélancolique aux mélodies inversées d'une beauté déchirante.
Disque 3 — Face F : Poésie Nocturene et Témoignages Intimes
Tears Of Rage — Une relecture bouleversante et inattendue du classique composé par Bob Dylan et Richard Manuel.
Hear My Train A Comin' — Les prémices studio d'un monument absolu du blues électrique, brut et tellurique.
1983 (A Merman I Shall Turn To Be) — Une exploration sous-marine et cosmique d'une ambition orchestrale vertigineuse.
Long Hot Summer Night — Un rhythm and blues solaire et mélodique, ciselé avec une précision d'orfèvre.
My Friend — Une ballade acoustique chaleureuse et rustique, aux faux airs de jam improvisée au coin du feu.
Disque 4 — Face G : La Quête Cosmique et les Nouvelles Vagues
Hear My Freedom — Une longue improvisation funk-rock jubilatoire, véritable laboratoire de groove et de liberté.
Angel — Une ébauche céleste et vaporeuse de ce chef-d'œuvre dédié à sa mère.
Calling All The Devil's Children — Une fresque contestataire et lourde, mêlant urgence politique et transe électrique.
Disque 4 — Face H : Les Ateliers du Futur et la Magie du Studio
Untitled Basic Track — Une esquisse instrumentale brute et mystérieuse, témoin des recherches permanentes du guitariste.
Room Full Of Mirrors — Une version foudrogante et percutante de cet hymne lourd aux influences afro-américaines.
Shame, Shame, Shame — Une reprise blues endiablée et spontanée baignée dans une atmosphère de club.
New Rising Sun — Une longue fresque instrumentale aérienne et visionnaire, préfigurant son ultime grand projet artistique.
Disque 5 — Face I : La Fureur de la Scène et l'Insubordination
Star Spangled Banner (Live) — L'interprétation contestataire, dissonante et dantesque de l'hymne américain, entrée dans l'histoire.
Purple Haze (Live) — Le grand hymne psychédélique délivré dans une furie scénique incandescente.
Messenger — Une pépite de studio rythmée et mélodique, portée par un jeu de guitare chatoyant.
Disque 5 — Face J : Le Grand Œuvre de l'Improvisation
Young/Hendrix — Un jam monumental de plus de vingt minutes, véritable voyage au cœur de la virtuosité libre et fusionnelle du guitariste aux côtés de ses pairs.
Disque 6 — Face K : Blues Profond et Explosions Scéniques
Hound Dog Blues — Un hommage viscéral au blues traditionnel, joué avec une intensité électrique redoutable.
Mastermind — Une composition de Larry Lee revisitée avec un groove lourd, funk et organique.
Foxey Lady (Live) — L'incarnation même du magnétisme scénique de Hendrix, sensuel, lourd et explosif.
Disque 6 — Face L : Transes en Concert et Apogées Live
Stone Free (Live) — Une version scénique étirée, hypnotique et survoltée du tout premier single solo de l'artiste.
Fire (Live) — Un final live d'une efficacité redoutable, mené à un train d'enfer.
Disque 7 — Face M : Funk Tendu et Témoignages Nocturnes
Message To Love (Prise alternative) — Un funk-rock tendu, urgent et implacable taillé pour la scène.
Burning Desire — Une longue jam instrumentale torride où le groove le dispute à la transe électrique la plus pure.
Lonely Avenue — Une relecture poignante et nocturne du classique immortalisé par Doc Pomus.
Disque 7 — Face N : Alliances Rock et Architectures Sonores
Everlasting First (avec Arthur Lee) — Une collaboration historique et garage-rock électrique aux côtés du leader du groupe Love.
Freedom — Un hymne funk-rock jubilatoire et libérateur, symbole de l'aboutissement de sa vision.
Peter Gunn/Catastrophe — Un medley jubilatoire revisitant le célèbre thème de jazz-policier de Henry Mancini à la sauce psychédélique.
In From The Storm — Un morceau d'une puissance tellurique inouïe, balayé par les effets de wah-wah.
Play That Riff — Une minuscule pastille studio pleine de complicité et d'humour.
Disque 8 — Face O : Ferveur Spirituelle et Blues Monumental
All God's Children — Un gospel-rock puissant et engagé, porté par une énergie collective réjouissante.
Red House (Live) — Un sommet absolu du blues lent sur scène, où chaque note de guitare pleure avec une intensité poignante.
Disque 8 — Face P : Le Testament Poétique et le Dernier Souffle
Bolero — Une relecture hypnotique et progressive du célèbre thème de Ravel transposé dans l'univers cosmique du guitariste.
Hey Baby (New Rising Sun) — Une merveille mélodique, solaire et crépusculaire, empreinte d'une profonde sérénité.
Suddenly November Morning — Une composition acoustique intime, élégiaque et délicate, comme un ultime murmure d'adieu.
Rêvons le monde autrement à travers la musique. REVUE D’ESSAIS RADIOPHONIQUES • MUSIQUE • LITTÉRATURE • PHILOSOPHIE FOLIO 013 ESSAI RADIOPHONIQUE Learning To Fly Pink Floyd Sommes-nous faits pour appartenir, ou pour devenir ? ▶ Lancer la diffusion de l'essai radiophonique 📖 Lire le Folio Bonjour et bienvenue dans Radio d'auteur. Ici, on ne consomme pas la musique : on l’éprouve comme une pensée en mouvement. Il y a des chansons qui racontent une histoire. D'autres qui décrivent une émotion. Et puis il y a celles qui nous invitent à franchir un seuil. Learning to Fly, de Pink Floyd, appartient à cette dernière catégorie. Son titre est déjà une énigme. Il ne s'agit pas de voler. Il s'agit d'apprendre à voler. Comme si le plus important n'était pas l'envol lui-même, mais la transformation...
Rêvons le monde autrement à travers la musique. REVUE D’ESSAIS RADIOPHONIQUES • MUSIQUE • LITTÉRATURE • PHILOSOPHIE FOLIO 003 ESSAI RADIOPHONIQUE For What It's Worth Buffalo Springfield Que devient la parole lorsqu'elle ne décrit plus le monde, mais son incertitude ? ▶ Lancer la diffusion de l'essai radiophonique 📖 Lire le Folio Bonjour. Peut-on entendre l'histoire avant qu'elle ne commence ? Bienvenue dans la Radio d'Auteur. Ici, nous ne cherchons pas seulement à écouter les chansons. Nous cherchons à comprendre ce qu'elles savent avant nous. Certaines œuvres racontent un événement. D'autres racontent un souvenir. Mais il en existe de plus rares encore : elles semblent capter un changement du monde avant même que celui-ci ne devienne visible. En mille neuf cent soixante-six,...
Rêvons le monde autrement à travers la musique. REVUE D’ESSAIS RADIOPHONIQUES • MUSIQUE • LITTÉRATURE • PHILOSOPHIE FOLIO 011 ESSAI RADIOPHONIQUE Long Time Gone Crosby, Stills & Nash Pourquoi la lucidité arrive-t-elle si souvent après le temps de l'action préventive ? ▶ Lancer la diffusion de l'essai radiophonique 📖 Lire le Folio Bonjour ... et bienvenue dans la Radio d'Auteur ! Nous aimons croire que les grandes catastrophes surgissent sans prévenir. Pourtant, elles sont souvent précédées de signes discrets, de voix isolées, d'inquiétudes, que l'on préfère ne pas entendre. La lucidité ne manque pas toujours. C'est parfois notre capacité à l'accueillir qui fait défaut. En 1969, Long Time Gone naît dans un monde traversé par les fractures. La guerre du Viêtnam s'enlise. Les assassinats pol...
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